PERFORMANCE

Performance es un nombre de origen Inglés que significa actuación,realización, representación, interpretación, hecho, logro o rendimiento.

La palabra performance viene del verbo Inglés "to perform" que significa realizar, completar, ejecutar o efectuar. En muchas ocasiones se utiliza en el contexto de exhibiciones en público, o cuando alguien ejecuta algún papel en el ámbito artístico, como un actor, por ejemplo. Performance también puede ser el conjunto de los resultados obtenidos en una determinada prueba o examen por una persona. En los inicios del siglo XX es donde se encuentra el origen de este tipo de manifestación artística y cultural pues fue entonces cuando determinados personajes ligados al movimiento futurista creando tendencias apostando por otras formas peculiares de mostrar sus ideas, sus emociones y su manera de entender el arte.

No obstante, no sería hasta la década de los años 60 cuando el performance empieza a tomar mayor relevancia a nivel internacional.

Entre los muchos temas que se pueden abordar a través de estas manifestaciones culturales los que mayor protagonismo han tenido a lo largo de la Historia han sido el amor, el miedo, la soledad, la crueldad del ser humano, la naturaleza, la evolución del universo…Todos ellos se han mostrado y planteado a través de acrobacias, pintura, teatro o coreografías, entre otras alternativas.

Una performance, por lo tanto, intenta sorprender al público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de acciones están vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings (manifestaciones artísticas que contemplan la participación del público).Una de las características más importantes de una performance es que se desarrolla en un lugar determinado durante un tiempo concreto. La performance se lleva a cabo en vivo y existe mientras el artista realiza su propuesta, a diferencia de una expocisión tradicional.

LOS PERFORMANCES MÁS POLÉMICOS DE LA HISTORIA

"Salto al vacío” de Yves Klein (1960)

Como una de las primeras manifestaciones retratadas de performance, este artista francés aborda temas como la nada y el vacío, manifestando su deseo por desmaterializar el arte y convertirlo en interacción de cuerpo y espacio. “Salto al vacío” es una obra en la que el artista se lanza desde una ventana como una manifestación extrema de sensibilidad artística.

“Prueba de Resistencia” Günter Brus  (1970)

Este artista vienes desarrolló acciones artísticas basadas en el dolor, el masoquismo, la destrucción y la intervención agresiva al límite. En “Prueba de resistencia”, Brus corta su cuerpo con cuchillas de afeitar, maltrata sus heridas, bebe su orina  y revuelca bruscamente el cuerpo malherido en el suelo. Basándose en la política de la experiencia, este artista aborda temas eróticos y  sexuales con una alta carga expresionista, dejando en claro la pasión que le despierta la belleza dramática. 

“Posición de lectura para una quemadura de segundo grado” Dennis Oppenheim (1970) 

Usar el cuerpo como vínculo físico para transmitir experiencias sensoriales, es la premisa del estadounidense Dennis Oppenheim. En 1970 hizo el performance más reconocido de su carrera, durante cinco  horas se expuso al sol acostado en la arena con un libro sobre el tórax, la mayoría del cuerpo había sufrido quemaduras a excepción de la zona  donde había reposado el libro. Esta obra es una ironía a las nociones de ocio y a las formas exageradas en las que el hombre re-plantea los espacios de esparcimiento. 

“Escalada no anestesiada” Gina Pane (1971)

Este performance es una denuncia al terror, la violencia, las agresiones y los peligros. Haciendo un señalamiento a un mundo insensible frente a la problemática social su obra re-plantea el significado de experiencias dolorosas. “Escalada sin anestesia” es un performance en el que la artista asciende, descalza y sin guantes en las manos, una escalera metálica con puntas de acero. 

Interesada en estudiar los movimientos, gestos y sonidos producidos durante el ascenso, Gina plantea una vez más su interés por explorar las debilidades del cuerpo, basándose en la herida como concepto argumental de su obra. 

"En vitrina" Maria Teresa Hincapie (1990)

Durante tres días consecutivos por un periodo de ocho horas, la artista Teresa Hincapié se dedicó a limpiar la vitrina de un local ubicado en el centro de Bogotá, asumiendo los roles típicos de una mujer trabajadora y seductora. Mientras barría, trapeaba o limpiaba, escriba mensajes con un lápiz labial en los ventanales,  generando interacción con los transeúntes que se detenían a observar el acto. 

Esta obra se insertó en la cotidianidad de una ciudad agitada, planteando reflexiones en torno al papel de la mujer en la vida actual.

Entre las performance que pudimos observar, artistas como: 

Marina Abramović

(Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de1946), artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance solista. En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.

Después de cortarse veinte veces, reproducía la cinta, escuchaba los sonidos y trataba de repetir los mismos movimientos y errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del artista.

Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día (aunque no el mismo año).

Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año. Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 min después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.

En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

El 14 de marzo de 2010 se inauguró en el MoMa una gran retrospectiva de su obra, que incluyó registros en video desde la década del 70, fotografías y documentos, una instalación cronológica con la recreación por actores de acciones realizadas previamente por la artista y la presentación performática más extensa realizada por Abramović, 716 horas y media sentada inmóvil frente a una mesa en el atrio del museo, donde los espectadores eran invitados por turno a sentarse enfrente, a compartir la presencia de la artista. Ulay hizo una aparición sorpresa durante la inauguración participando de la acción, 20 años después de haberse separado.

La verdad que no conocía este tipo de arte, nuca tuve la posibilidad de experimentar viendo uno. Al principio me impacto ver como ella realizaba su arte, y no entendía mucho que es lo que quería demostrar y transmitir, ya que en gran mayoría utiliza su cuerpo para realizar las performance. Una de las obras que no podía comprender, al ver que utilizaba la autoflagelación. 

Considero que en sus obras ella desea que el publico explore algo único. Me pareció muy interesante que haya utilizado una parte de su vida para realizar la ultima performance que pudimos observar, me dejo muchas emociones ver como la protagonista y el publico se unían solo con miradas y en silencio, fue algo placentero para mí. Me gusto mucho apreciar la despedida de su amor en silencio, fue algo muy profundo. 

Kseniya Symonova 

(Eupatoria, 22 de abril de 1985), es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine's Got Talent. Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.

Utilizando una gran caja de luz, arena, una muy buena atmósfera musical, además de toda su sensibilidad, talento, rapidez y creatividad, narra una historia sólo con sus manos, trabajando a una velocidad impresionante y una trama conmovedora. En este video escenificó la historia de la invasión y ocupación de Ucrania por los Alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, expresando con intensidad el dolor, devastación y anhelos vividos por el pueblo Ucraniano; la frase final de su actuación es contundente y significa: siempre cerca.

Este tipo de performance, me pareció muy atractivo e interesante. Me gusta mucho como se complementa la historia que quiere contar con la música y los sonidos. Me impacto la habilidad que tiene esta artista, para crear una historia tan increíble con tan solo arena y dejar al publico emocionado y maravillado. 

Fuente de la información:

http://www.significados.com/performance/

http://www.definicion.de/performance/

http://www.cartelurbano.com/node/4423#.VBRIgZR5OGM

http://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramovi%C4%87

http://es.wikipedia.org/wiki/Kseniya_Symonova
http://conectaarte.blogspot.com.ar/2009/12/kseniya-simonova.html