LA CASA DE LA CULTURA DE LA CALLE - CANCIONES DE CUNA

La Casa de la Cultura de la Calle es una organización no gubernamental, creada por iniciativa de Gastón Pauls. “Una noche me encontré con un grupo de cinco chicos que vivían en situación de calle en Plaza Italia.

Me acerqué a uno de ellos, de no más de 11 años y le pregunté que necesitaba, él me contestó: yo necesito un lugar para expresar lo que siento, ese fue el punto de partida de este proyecto.” (Gastón Pauls).

La Casa de la Cultura de la Calle es una experiencia artístico-cultural 

para promover la creatividad y el aprendizaje en infancias y adolescencias en situación de desigualdad y exclusión social.

Su propósito es favorecer la apropiación de nuevas formas de expresión como herramientas para la construcción y re-construcción de la propia individualidad y del tejido social.

Desde la CCC se abre un espacio de contención y confianza

para que los chicos exploren, descubran y reconozcan maneras 

de expresarse a través de un hecho artístico, a través del cual 

no sólo puedan construir una mirada personal y crítica, 

sino también expresarse con libertad.

Desde el año 2005 se desarrollan talleres y actividades artísticas 

en las que participan más de 400 chicos 

y chicas en situación de vulnerabilidad de derechos.

Canciones de Cuna es el primer 

álbum producido por la asociación civil

Casa de la Cultura de la Calle.

Tapa del CD de Canciones de Cuna

El objetivo de este proyecto es que los 

chicos encuentren en la música un lugar de expresión y de producción.

Todas las letras de este CD fueron 

escritas por chicos de 7 a 21 años. Se 

trabajó con más de 150 chicos para que

desde cada taller (teatro, música, artes

plásticas y artes visuales) los chicos 

escriban textos, canciones, ideas, 

relatos relacionados a los sueños, a lo 

que alguna vez les cantaron, a lo que a 

ellos les gustaría cantarles a sus hijos.

A los músicos que participaron de este proyecto les propusimos que

con estas letras compongan e interpreten una canción pensando

en cómo les cantarían esa letra a sus hijos.

Algo simple, pequeño, una canción de cuna.

Las letras fueron musicalizadas y grabadas por: Ricardo Mollo, 

Hugo Fattoruso, Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar, Damien Rice, 

Vitor Ramil, Ulises Butrón, Hilda Lizarazu, Kevin Johansen, 

Fernando Cabrera, Lisandro Aristimuño, Litto Nebbia, Luka Bloom, 

Fito Páez, Miguel Cantilo, Gonzalo Aloras y Germán Daffunchio.

Canciones de Cuna fue declarado de Interés Cultural por la

Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. 

Actualmente el cd lleva vendidas 15.000 copias.

Para saber donde adquirirlo ingrese a:

www.cancionesdecunaccc.com.ar

Para escuchar las canciones dejo un link:
https://www.youtube.com/playlist?list=PL67594AFF565C11C5

"Mirame" Música por Fito Paez:

Fue una de las canciones que primero escuchamos y pude reconocer la voz de Fito Paez muy claramente, me resulto muy interesante como sonaba su voz en una canción tan particular como es una canción de cuna. En lo personal no me gusta mucho el cantante, pero disfrute mucho escuchándola. Esta canción va muy bien acompañada del piano, y la historia la pude entender como una madre hablándole al hijo diciéndole que siempre lo va a proteger y cuidar para que él pueda dormir tranquilo. Al cerrar los ojos y dejarme llevar por la música y la letra pude imaginar la historia. En general me gusto la canción pero no parecía una canción de cuna cuando sonaba.  

"Tú Mundo" Música por Hilda Lizarazu:

Esta canción tiene una melodía con mucha paz, acompañada de un piano y un xilofón le dio un sonido mágico que me transmito mucho. Creo que al ser una mujer la interprete y tener una voz mas dulce fué una de las canciones que más me gustó, y sobre todo cuando expresa "tu mundo no sabe de dolores, y solo habitan pajaritos de colores". Me pareció que da un mensaje alegre. 

"No me llore tanto" Música por Ricardo Mollo:

La canción es tranquila, musicalizada con una guitarra. La letra me generó tristeza, imagine a un niño en llanto en busca del amor de su madre. En lo personal no me hubiese imaginado esta voz en una canción de este estilo, ya que estoy acostumbrada a escucharla en otro estilo de canciones. Creo que en el caso de Ricardo Mollo para mi gusto tiene una voz muy particular, pero acompaño muy bien a la canción. 

"Ojitos de mi corazón Música por Pedro Asnar: 

La letra me pareció muy dulce, al ser repetitiva me resultó bien característica de las canciones de cuna. Muy bien acompañada por un piano que le da ese toque de calma y paz para que el niño este tranquilo. Me imagine a un padre cantándole a su hijo mientras lo acunaba. Creo que la voz del cantante acompañaba perfecta a la letra y la música, me dejo imaginar muy bien la historia. Al estar con los ojos cerrados me transmitió mucha tranquilidad y amor.

"Tan libre como quieras ser" Música por Miguel Cantilo:

Esta canción fué musicalizada con una guitarra al igual que una de las anteriores. La letra transmite un mensaje positivo, imagine la historia de un padre hablándole a su hijo y a la madre, diciendo "que lo quiere ver crecer dulce y fuerte, tan libre como quieras ser". En lo personal me gusto la combinación de la letra y la música, y me impactó ya que por momentos sentí que la escribió una persona adulta y no un niño.

La ultima canción se llama... "Madre Santa Música por Lisandro Aristimuño":

Esta canción fué una de las mas particulares que escuche, musicalizada con guitarra y de fondo unas voces que daban la sensación de un coro de iglesia

lo cual no me gustó, me pareció que estaba de más y no me transmitió paz y tranquilidad. La letra la interpreté como un diálogo entre una madre y su hijo al escuchar que ella prometía "nunca dejarlo", y el niño decía "Madre siento, madre pienso que prometes y me vas a fallar", se puede entender como ese niño tiene un sentimiento de abandono, de reproche, que su madre le va a fallar.

Para finalizar me pareció una propuesta muy interesante sobre todo que las letras las creen niños de la calle, que puedan expresar esos sentimientos lo sentí como un desahogo que promueve la creatividad, también un intercambio de experiencias y de aprendizaje para estos chicos. Hacen un excelente trabajo. 

Les comparto la canción de cuna que hicimos con mis compañeras en clase:
COMO PEZ EN EL MAR
Como un pez que nada en el mar
Duérmete niño, que la calma vendrá
Cierra los ojos déjate llevar
Que habrá alguien siempre que te cuidara
El agua corre y con ella llevara
Todo lo malo que pueda pasar
Como pez que nada en el mar
Duérmete niño, que la calma vendrá
Pronto en sueños, tu descansaras
las olas te mecen de aquí para allá
Duerme, descansa, como pecesito en el mar
Te acuno en mis brazos, te invito a soñar..

Fuente de la información:

http://www.cancionesdecunaccc.com.ar/

http://www.cacuca.org.ar/canciones_cuna.html

TANGO VIRUS. BIOPUS.

CONCEPTO:

Tango virus es una instalación interactiva que permite al público modificar en tiempo-real un tema de tango (de Astor Piazzola) mediante un proceso viral. En la instalación, el público puede bailar el tema de tango que se está escuchando, pero dicho baile se transforma en un comportamiento viral que ataca al tema musical, haciendo que este varíe, quizás al punto de “fallecer”. 

Se ingresa a un espacio a oscuras donde sólo se ven dos proyecciones de video y un espacio iluminado en forma cenital. Una vez que el público decide bailar en el espacio iluminado, los movimientos del baile (que son captados por una cámara en el techo) generan un patrón visual en una de las proyecciones, dicho patrón se transforma en un virus que ataca al tema musical. Como resultado se puede ver en las proyecciones el patrón generado por la huella del baile y la forma en que este patrón, convertido en virus, va atacando e infectando al tema de tango, lo cual se escucha a partir de los cambios cada vez más radicales y violentos que se generan en el tema. A partir de aquí pueden ocurrir dos cosas: el tema musical logra defenderse del virus con su sistema inmunológico, en cuyo caso adquiere anticuerpos contra este tipo de virus (es decir que se hace inmune a patrones similares) o, si es atacado por varios virus sin darle tiempo a recuperarse, el tema colapsa bajo el ataque de estos cuerpos extraños y muere.

La idea detrás de la instalación es la de explorar la participación del público en la creación artística a partir de un proceso destructivo (como es el proceso viral). Si, como se dice, al tango lo llevamos en nuestra sangre, entonces ahora “nosotros infectaremos el cuerpo del tango”. Es decir, la música es quizás uno de lo fenómenos sensoriales que más influencia nuestro cuerpo, de ahí la frase que dice “el oído no tiene párpados”, que muestra que contra el sonido no tenemos defensa y de hecho puede invadirnos y lastimarnos. Nuestra búsqueda consiste en invertir esta relación, y en vez de que el cuerpo se mueva al compás de la música, lograr que la música sea alterada por el movimiento del cuerpo. Esto genera un círculo vicioso, dado que nuestro cuerpo sigue siendo influenciado por la música y por esto, cuando la música se ve modificada por este, se ingresa en un ciclo cerrado en donde ambos elementos reverberan a partir de sus propias y mutuas evoluciones.

La elección del tango como estilo musical para desarrollar este trabajo no responde ni a nuestro gusto (el tango nos gusta pero no nos consideramos asiduos oyentes), ni a una exaltación de lo local (que podría considerarse un intento publicitario), sino al hecho de que el tango expone en su baile una forma de improvisación única que lo hace indispensable para pensar esta experiencia. El baile de tango sigue una forma de improvisación a partir de figuras básicas que se concatenan en lo que casi se podría llamar una gramática. La gran riqueza de figuras que exponen, sumado al hecho de que los pasos del hombre y la mujer se complementan a la perfección (a pesar de ser muy diferenciados), hacen que este sea quizás una de las formas de baile en pareja más evolucionadas, complejas y ricas que existen. En este sentido, es una práctica de improvisación que permite generar infinidad de patrones al punto de lograr que no existan dos formas idénticas de baile. Creímos oportuno intentar que esta riqueza coreográfica se explicite en la creación de un organismo virtual que modifique al propio tema de tango.

Por otro lado, la instalación busca perpetuar un hecho efímero, como es el baile, a partir de la creación de una entidad auto-organizativa, como es un virus, logrando que el baile trascienda como hecho a la persona y evolucione en forma independiente. Esto produce un desplazamiento del lugar del cuerpo en el hecho del baile, si en un principio uno puede pensar que la música se hace baile a través del cuerpo, entonces este trabajo permite que la música y el baile ingresen en un diálogo propio, al margen del cuerpo, pero que a su vez permite dar al baile una existencia propia. Que mejor homenaje al tango, que lograr que su baile se transforme en una forma de vida en sí misma.

Por último, decidimos elegir temas del compositor Astor Piazzola como un homenaje a su música, que tanto disfrutamos, y a su espíritu de búsqueda y ruptura infatigable que han cambiado y dado nueva vida al tango.

Considero que es una propuesta muy interesante con un sistema muy bien formado e ingenioso, me parece que es algo creativo para el público y para experimentar  como se van dando los cambios en la música que se esta bailando. muy buena propuesta. 

PERFORMANCE

Performance es un nombre de origen Inglés que significa actuación,realización, representación, interpretación, hecho, logro o rendimiento.

La palabra performance viene del verbo Inglés "to perform" que significa realizar, completar, ejecutar o efectuar. En muchas ocasiones se utiliza en el contexto de exhibiciones en público, o cuando alguien ejecuta algún papel en el ámbito artístico, como un actor, por ejemplo. Performance también puede ser el conjunto de los resultados obtenidos en una determinada prueba o examen por una persona. En los inicios del siglo XX es donde se encuentra el origen de este tipo de manifestación artística y cultural pues fue entonces cuando determinados personajes ligados al movimiento futurista creando tendencias apostando por otras formas peculiares de mostrar sus ideas, sus emociones y su manera de entender el arte.

No obstante, no sería hasta la década de los años 60 cuando el performance empieza a tomar mayor relevancia a nivel internacional.

Entre los muchos temas que se pueden abordar a través de estas manifestaciones culturales los que mayor protagonismo han tenido a lo largo de la Historia han sido el amor, el miedo, la soledad, la crueldad del ser humano, la naturaleza, la evolución del universo…Todos ellos se han mostrado y planteado a través de acrobacias, pintura, teatro o coreografías, entre otras alternativas.

Una performance, por lo tanto, intenta sorprender al público ya sea por su temática o por su estética. Este tipo de acciones están vinculadas a la improvisación, el arte conceptual y los happenings (manifestaciones artísticas que contemplan la participación del público).Una de las características más importantes de una performance es que se desarrolla en un lugar determinado durante un tiempo concreto. La performance se lleva a cabo en vivo y existe mientras el artista realiza su propuesta, a diferencia de una expocisión tradicional.

LOS PERFORMANCES MÁS POLÉMICOS DE LA HISTORIA

"Salto al vacío” de Yves Klein (1960)

Como una de las primeras manifestaciones retratadas de performance, este artista francés aborda temas como la nada y el vacío, manifestando su deseo por desmaterializar el arte y convertirlo en interacción de cuerpo y espacio. “Salto al vacío” es una obra en la que el artista se lanza desde una ventana como una manifestación extrema de sensibilidad artística.

“Prueba de Resistencia” Günter Brus  (1970)

Este artista vienes desarrolló acciones artísticas basadas en el dolor, el masoquismo, la destrucción y la intervención agresiva al límite. En “Prueba de resistencia”, Brus corta su cuerpo con cuchillas de afeitar, maltrata sus heridas, bebe su orina  y revuelca bruscamente el cuerpo malherido en el suelo. Basándose en la política de la experiencia, este artista aborda temas eróticos y  sexuales con una alta carga expresionista, dejando en claro la pasión que le despierta la belleza dramática. 

“Posición de lectura para una quemadura de segundo grado” Dennis Oppenheim (1970) 

Usar el cuerpo como vínculo físico para transmitir experiencias sensoriales, es la premisa del estadounidense Dennis Oppenheim. En 1970 hizo el performance más reconocido de su carrera, durante cinco  horas se expuso al sol acostado en la arena con un libro sobre el tórax, la mayoría del cuerpo había sufrido quemaduras a excepción de la zona  donde había reposado el libro. Esta obra es una ironía a las nociones de ocio y a las formas exageradas en las que el hombre re-plantea los espacios de esparcimiento. 

“Escalada no anestesiada” Gina Pane (1971)

Este performance es una denuncia al terror, la violencia, las agresiones y los peligros. Haciendo un señalamiento a un mundo insensible frente a la problemática social su obra re-plantea el significado de experiencias dolorosas. “Escalada sin anestesia” es un performance en el que la artista asciende, descalza y sin guantes en las manos, una escalera metálica con puntas de acero. 

Interesada en estudiar los movimientos, gestos y sonidos producidos durante el ascenso, Gina plantea una vez más su interés por explorar las debilidades del cuerpo, basándose en la herida como concepto argumental de su obra. 

"En vitrina" Maria Teresa Hincapie (1990)

Durante tres días consecutivos por un periodo de ocho horas, la artista Teresa Hincapié se dedicó a limpiar la vitrina de un local ubicado en el centro de Bogotá, asumiendo los roles típicos de una mujer trabajadora y seductora. Mientras barría, trapeaba o limpiaba, escriba mensajes con un lápiz labial en los ventanales,  generando interacción con los transeúntes que se detenían a observar el acto. 

Esta obra se insertó en la cotidianidad de una ciudad agitada, planteando reflexiones en torno al papel de la mujer en la vida actual.

Entre las performance que pudimos observar, artistas como: 

Marina Abramović

(Belgrado, Yugoslavia; 30 de noviembre de1946), artista serbia del performance que empezó su carrera a comienzos de los años 70. Activa durante más de tres décadas, recientemente se ha descrito a sí misma como la "Abuela del arte de la performance".

El trabajo de Abramović explora la relación entre el artista y la audiencia, los límites del cuerpo, y las posibilidades de la mente. estudió en la Academia de Bellas Artes de Belgrado entre 1965 y 1970. Completó sus estudios de posgrado en la Academia de Bellas Artes de Zagreb, Croacia en 1972. Entre 1973 y 1975 enseñó en la Academia de Bellas Artes de Novi Sad, mientras preparaba su primera performance solista. En su primera performance exploró elementos de rituales y gestos. Usando veinte cuchillos y dos grabadoras, la artista ejecutó el juego ruso de dar golpes rítmicos de cuchillo entre los dedos abiertos de su mano. Cada vez que se cortaba, tomaba un nuevo cuchillo y grababa la operación.

Después de cortarse veinte veces, reproducía la cinta, escuchaba los sonidos y trataba de repetir los mismos movimientos y errores, uniendo de esta forma el pasado y el presente. Con este trabajo, Abramović comenzó a considerar el estado de conciencia del artista.

Después de mudarse a Ámsterdam, Abramović conoció al artista de performance germano-occidental Uwe Laysiepen quien usaba el nombre de Ulay. Como dato anecdótico, ambos nacieron el mismo día (aunque no el mismo año).

Cuando Abramović y Ulay comenzaron su colaboración, los conceptos principales que exploraron fueron el ego y la identidad artística. Este fue el comienzo de una década de trabajo colaborativo. Ambos artistas estaban interesados en las tradiciones de sus patrimonios culturales y el deseo del individuo por los ritos. En consecuencia, decidieron formar un colectivo al que llamaron The Other (El Otro). Se vistieron y se comportaron como gemelos, y crearon una relación de completa confianza. Idearon una serie de trabajos en que sus cuerpos creaban espacios adicionales para la interacción con la audiencia. En Relation in Space (Relación en el espacio) corrían alrededor de la sala, dos cuerpos como dos planetas, mezclando las energías masculinas y femeninas en un tercer componente al que llamaron "that self" (eso mismo). Relation in Movement (Relación en Movimiento, 1976) tenía a la pareja conduciendo su automóvil dentro de un museo dando 365 vueltas, un líquido negro salía del automóvil formando una especie de escultura, y cada vuelta representaba un año. Después de esto, idearon Death self (La muerte misma), en la cual ambos unían sus labios e inspiraban el aire expelido por el otro hasta agotar todo el oxígeno disponible. Exactamente 17 min después del inicio de la performance ambos cayeron al piso inconscientes, ya que sus pulmones se llenaron de dióxido de carbono. Esta pieza exploró la idea de la habilidad del individuo de absorber la vida de otra persona, cambiándola y destruyéndola.

En 1988, luego de varios años de tensa relación, Abramović y Ulay decidieron hacer un viaje espiritual el que daría fin a su relación. Ambos caminarían por la Gran Muralla China, comenzando cada uno por los extremos opuestos y encontrándose en el centro. Abramović concibió esta caminata en un sueño, y le proporcionó lo que para ella era un fin apropiado y romántico a una relación llena de misticismo, energía y atracción.

El 14 de marzo de 2010 se inauguró en el MoMa una gran retrospectiva de su obra, que incluyó registros en video desde la década del 70, fotografías y documentos, una instalación cronológica con la recreación por actores de acciones realizadas previamente por la artista y la presentación performática más extensa realizada por Abramović, 716 horas y media sentada inmóvil frente a una mesa en el atrio del museo, donde los espectadores eran invitados por turno a sentarse enfrente, a compartir la presencia de la artista. Ulay hizo una aparición sorpresa durante la inauguración participando de la acción, 20 años después de haberse separado.

La verdad que no conocía este tipo de arte, nuca tuve la posibilidad de experimentar viendo uno. Al principio me impacto ver como ella realizaba su arte, y no entendía mucho que es lo que quería demostrar y transmitir, ya que en gran mayoría utiliza su cuerpo para realizar las performance. Una de las obras que no podía comprender, al ver que utilizaba la autoflagelación. 

Considero que en sus obras ella desea que el publico explore algo único. Me pareció muy interesante que haya utilizado una parte de su vida para realizar la ultima performance que pudimos observar, me dejo muchas emociones ver como la protagonista y el publico se unían solo con miradas y en silencio, fue algo placentero para mí. Me gusto mucho apreciar la despedida de su amor en silencio, fue algo muy profundo. 

Kseniya Symonova 

(Eupatoria, 22 de abril de 1985), es una artista en animación en arena en Ucrania. Comenzó a dibujar en arena tras el colapso de su negocio como consecuencia de la crisis de crédito y menos de un año más tarde participó en el concurso Ukraine's Got Talent. Resulto ganadora del concurso en 2009, construyendo una animación acerca de la vida en la Unión Soviética durante la Gran Guerra Patriótica contra el Tercer Reich en la Segunda Guerra Mundial.

Utilizando una gran caja de luz, arena, una muy buena atmósfera musical, además de toda su sensibilidad, talento, rapidez y creatividad, narra una historia sólo con sus manos, trabajando a una velocidad impresionante y una trama conmovedora. En este video escenificó la historia de la invasión y ocupación de Ucrania por los Alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, expresando con intensidad el dolor, devastación y anhelos vividos por el pueblo Ucraniano; la frase final de su actuación es contundente y significa: siempre cerca.

Este tipo de performance, me pareció muy atractivo e interesante. Me gusta mucho como se complementa la historia que quiere contar con la música y los sonidos. Me impacto la habilidad que tiene esta artista, para crear una historia tan increíble con tan solo arena y dejar al publico emocionado y maravillado. 

Fuente de la información:

http://www.significados.com/performance/

http://www.definicion.de/performance/

http://www.cartelurbano.com/node/4423#.VBRIgZR5OGM

http://es.wikipedia.org/wiki/Marina_Abramovi%C4%87

http://es.wikipedia.org/wiki/Kseniya_Symonova
http://conectaarte.blogspot.com.ar/2009/12/kseniya-simonova.html

RADIOTEATRO

Radioteatro es un concepto que se emplea en algunos países sudamericanos como sinónimo de radionovela. Se trata de una novela que se transmite a través de la radiodifusión. El radioteatro, por lo tanto, se compone de palabras, efectos sonoros y música que permiten contar una historia. A diferencia de las novelas que se emiten por televisión, en este caso la persona debe imaginarse los sucesos ya que, obviamente, la radio no cuenta con imágenes.
En la primera mitad del siglo XX, los radioteatros estaban entre las alternativas de ocio más populares en todo el mundo. Sin embargo, la invención de la TV le hizo perder popularidad y, poco a poco, los radioteatros comenzaron a desaparecer. En la actualidad, un porcentaje muy bajo de la programación radial es ocupado por radioteatros.
Hay quienes diferencian entre radioteatros y radionovelas, señalando que las radionovelas son series que se emiten por capítulo, mientras que los radioteatros resultan equivalentes a las obras de teatro (que comienzan y finalizan en una misma emisión, sin que existan interrupciones).
Uno de los radioteatros más famosos de la historia se emitió el 30 de octubre de 1938, cuando el norteamericano Orson Welles adaptó la novela “La guerra de los mundos”, de H.G. Wells. Pese a que, en el comienzo se aclaraba que se trataba de una obra de ficción, oyentes que sintonizaron el radioteatro con la emisión ya empezada pensaron que, efectivamente, la Tierra estaba siendo atacada por extraterrestres. De este modo, se produjo una agitación popular y los servicios de emergencia colapsaron ante los llamados de la gente.

Campaña más voces más historias 

La asociación civil Narrativa Radial lanzó a fines de octubre del pasado año “Más voces, más historias”, una campaña por la vuelta de la ficción a la radio. Se trata de 10 piezas de radioteatros breves (entre 3 y 4 minutos) que serán difundidas libremente en programas y emisoras de toda la Argentina como modo de demostrar que la ficción en la radio es un formato que vale la pena explorar y explotar. Figuras tan disímiles como Norma Pons, Lalo Mir, Pepe Novoa, Julieta Díaz, Daniel Hendler, Víctor Hugo Morales, Nora Perlé, Matías Martin, Osvaldo Santoro o Alejandra Darín (entre otras más de 30 voces) se sumaron a interpretar personajes en algunos de las ficciones escritas y cedidas por otros tantos guionistas con el objetivo claro de concientizar sobre la necesidad de que la nueva ley de medios se plasme en nuevas formas de relato, de contar y de contarnos. Para que la Radio recupere esa Magia extraviada y haga Valer su Aire.

La Primer historia de radioteatro: 

"Super Poncho" 

Fue el primero que escuche y me lo imagine como una historia de cómic, tipo historieta. Al comenzar la historia se puede escuchar como una mujer es atacada por delincuentes y un hombre que se hace llamar "Super Poncho" lucha contra ellos, lo golpean y lastiman la pierna, pero sin embargo salva a la mujer.  Luego se mezcla la realidad en esta historia en la que una pareja discute si ir o no al cine, la mujer piensa que su pareja se había lastimado la pierna pero resulta ser que al escuchar una noticia cuentan la historia de este héroe y ella al final se da cuenta que era él. Me gusto esta historia ya que se mezcla la ficción y la realidad, el personaje del héroe era gracioso y te deja llevar mas allá de la imaginación con los sonidos.

La segunda historia se llama "Una vida, Todas las Vidas", basado en una historia de ficción dentro de ficción.  Comienza con una mujer caminado por la calle cuando de repente se le cruza un auto, el conductor le ofrece alcanzarla hasta su casa pero la mujer desconfía de él, ya que es un desconocido. Luego acepta y una vez en el auto comienza a darse cuenta que se dirigían para otro lado y esta se aterra, en esta parte de la historia podemos escuchar un clima de suspenso / terror gracias a la música y los sonidos, que nos generan que algo malo puede llegar a pasar, esta situación es interrumpida cuando el marido le dice a la mujer que busque el protector solar y deje de imaginar cosas. Al finalizar la historia podemos entender que la mujer estaba escuchando la radio. Me gusto mucho los sonidos, las voces y música me permitieron imaginar bien los personajes y fue muy atrapante como de repente se cambia la situación. 

El tercer radioteatro llamado "La Aplanadora está completa" Es la historia de un equipo de fútbol llamado "La Aplanadora". Comienza en un velatorio, en el que el fallecido tiene pensamientos y anécdotas que recuerda sobre las personas presentes en su velatorio. Luego de el velatorio otro personaje ( que también formaba parte de el equipo de fútbol)  se encuentra en su casa escuchando por la radio un partido, y muere. Creo que el nombre de la "aplanadora esta completa" se debe a que todos los integrantes de ese equipo fallecieron y por eso esta completa. En particular me resulto complicado darme cuenta de como transcurría el relato, me confundió darme cuenta de lo que estaba pasando en esta historia y de los personajes, me confundieron las voces. Pero creo que a pesar de todo, el radioteatro fue interesante. 

Para finalizar las criticas de los radioteatros, la ultima historia.. "Embotellamiento" Es una historia coral (muchos personajes). Transcurre con 4 personajes en un embotellamiento, en diferentes situaciones viajando en transportes públicos y no pueden llegar a destino a tiempo a lo que tenían planeado o a sus responsabilidades, a causa de estar trabados por el transito. El primer personaje debería llegar a una cena con amigos, la segunda a una entrevista, la tercera una señora que la esperaban porque una chica estaba a punto de dar a luz, y la ultima una chica explicándole al novio que no lo estaba dejando plantado. Estos personajes se encuentran hablando por celular cada uno explicando su situación actual de porque se iba a retrasar. Luego culmina con la liberación del transito, pero ya es tarde para cada uno de los personajes. La historia me gusto muchísimo, fue una de las que mas me gustó y creo que refleja situaciones de la vida cotidiana de cada uno. Los personajes bien definidos, la historia de cada uno, la música y sonidos de calle y autos me permitió reflejarme en esa situación y entrar en el relato como si estuviera ahí.

Para ser mi primer experiencia con un radioteatro, fue algo super gratificante. Nunca había tenido la posibilidad de escuchar uno hasta hoy.

Creo que al estar con los ojos cerrados te permite ir más allá, y poder imaginar todo como lo cuentan, es una experiencia única y la disfrutas mucho más. 

Fuentes de la información: 

http://www.definicion.de/radioteatro/

http://www.narrativaradial.com/sitio/mas-voces-mas-historias/